29/01/08

Malos tiempos para la lírica. Los inicios del R&B en España.

No lo parece pero ya han pasado 12 años desde que saliera a la venta el primer disco de R&B en español. Y es que la escena no ha cambiado tanto como se podía esperar. Tres de los pioneros del R&B en España, Piti García (Soul Sanet), JC Moreno (Master Plan) y Siete-7 Black, nos cuentan como fueron aquellos comienzos.

En los últimos tiempos se está experimentando un resurgir de la escena R&B/Soul nacional. Se trata de una escena "underground" sustentada por las nuevas tecnologías en la que pocos son los artistas con disco, y mucha la ilusión y las ganas de demostrar lo que valen. Con un reconocimiento cada vez mayor por parte del mundo del Hip Hop, el R&B no siempre ha sido visto de la misma manera por su primo mayor, aunque siempre haya estado ligado a él. "Yo empecé con el breakdance, bailando en la calle. Siempre había tenido pasión por la música y lo enfoqué más hacia allí, con el inconveniente de vivir en Burgos, una ciudad con muy poco movimiento. Pero son de esas cosas que se te meten dentro y no lo puedes evitar." nos dice Siete-7 Black. Lo mismo que Soul Sanet. La mayoría de sus miembros ya bailaban "break" en 1985, años antes de formarse como grupo.

Todos comenzaron escuchando rap además de soul antiguo y del poco R&B que llegaba a España por aquel entonces: "Mi crecimiento musical desde pequeño ha sido con el soul antiguo. Con 6 ó 7 años "You're the sunshine of my life" de Stevie Wonder me marcó. Martha & Vandellas, Smokey Robinson, Michael Jackson… Luego el movimiento "break", los primeros electros, las películas "Wild Style", "Breakin'", "Beat Street"… Run DMC, Grandmaster Flash, Public Enemy, Eric B & Rakim… A partir de ahí vino el funk de los 80, Luther Vandross… Todo esto con 12 años. Imagination, The Whispers, Shalamar.. luego el R&B de finales de los 80: New Edtion, Janet Jackson… He sido muy precoz en cuanto a música." explica JC Moreno (Master Plan). Siete-7 Black nos cuenta: "Escuchaba Grandmaster Flash & The Furious Five, Kurtis Blow, Kool & The Gang, Earth Wind & Fire, Africa Bambaataa... Aunque siempre me he sentido más identificado con el R&B, grupos como Blackstreet… el rap siempre ha estado ahí de una manera o de otra aunque el rollo radical nunca ha ido mucho conmigo, porque simplemente no he vivido en un barrio marginal ni nada parecido…"

Era la época del New Jack Swing, grupos como Blackstreet, New Edition o Bobby Brown empezaban a llegar a España casi a escondidas y llenaban las estanterías de los pocos aficionados, al lado de discos de grupos vocales como Take 6 o Boyz II Men o divas del pop-soul como Janet Jackson, Mariah Carey o Whitney Houston. Pero era sumamente difícil encontrar discos de ese estilo en aquella época. Toda la música que comprábamos era importada. No salía nada en la tele. Íbamos por las tiendas buscando discos. No nos importaba que saliera por la tele o no, sino que nos gustase. Eso se ha perdido. Hoy en día nadie busca discos en las tiendas." nos contaba Piti García (Soul Sanet, Deya Vú). "Todo era mucho más inocente e ingenuo que ahora. Ahora la gente entiende más y está mucho más informada. Yo vengo escuchando soul más clásico desde el principio: Otis Redding, Sam Cooke, Marvin Gaye… gracias a revistas e investigando, pidiendo discos de importación y buscando en tiendas. Era más romántico. Ahora todo es mucho más fácil con Internet. Cualquier chaval interesado puede informarse fácilmente."

Si ya era complicado entrar en el soul y R&B como aficionado mucho más lo era como artista. En España a mediados de los 90 no había escena. Los cuatro o cinco aristas que llegaron a sacar disco no tenían referentes, ni medios ni casi apoyo. No había casi programas especializados en rap y mucho menos en R&B. Se recurría pues a emisoras generalistas algunas de las cuales abrieron sus puertas. "Empecé a hacer música de manera autodidacta. Gane un concurso de maquetas de los 40 Principales. Me contrató una discográfica de León, JFK, una compañía pequeña con mucha ilusión y ganas, y pocos recursos. […] "Somos el Futuro" salió en el 94. Aquello fue una auténtica sorpresa. Con 22 años un chaval de Burgos, que nunca había hecho nada así, va y graba un disco de este estilo. Cayó en gracia. Supongo que se vio el buen rollo y que estaba hecho con más cariño que medios. Fue un disco pobre que se quedó un poco a mitad de lo que podía haber sido, pero fue algo fresco que llegó a número 1 de 40 (Principales) y que sonó mucho en aquella época" (Siete-7 Black). Nos cuenta Piti García sobre Soul Sanet: "Ahorramos algo de dinero y nos fuimos a un estudio a preguntar por cuanto salía. Grabamos una primera maqueta de 4 canciones ["Soul Sanet" (94)]. Mil copias y en tres días entre colegas y de puerta en puerta las vendimos todas. Empezamos a repartirlas en las emisoras de radio, en las que no había programas de este tipo. Abrimos la puerta a algo nuevo, a lo que había miedo de empezar. Y nos salió bien. Era un estilo fresco, nuevo, "a cappella". Empezaron a interesarse discográficas más grandes de Canarias" […] Tony Aguilar (La Ruta del Aguilar) nos abrió muchas puertas en Península. Para nosotros es como un hermano y siempre lo será."

Para Master Plan tampoco fue nada fácil: "Antes era mucho más difícil dedicarse a la producción que ahora. Había muchos menos medios e información. En aquel momento trabajaba con el grupo de rap Jungle Kings, uno de cuyos componentes, Paco, formaría el Club de los Poetas Violentos. Kiko, David y Alberto eran bailarines de Jungle Kings. Les gustaba el Hip Hop pero tiraban más hacia el R&B. Decidimos probar. Todo era mucho más ingenuo y menos profesionalizado. Fue un poco a la aventura. Nos gustaba New Edtion, Bobby Brown... grupos así. Tuvimos que encontrar nuestro propio estilo. Tres o cuatro maquetas, actuaciones en clubs… hasta que surgió la oportunidad de poder grabar el disco.[…] Master Plan se forma en el 91 pero el disco ["Master Plan"] no salió hasta el 96." (JC Moreno).

Eran tiempos difíciles para dedicarse al R&B o al Soul. No existía un público porque no había referentes y las pocas discográficas que apostaban por las (pocas) formaciones de este estilo quizá no vendieron el producto como hubieran debido hacerlo: "Aquello fue algo muy bonito y de muy buen rollo pero llegó un momento en que había que dar el salto. Aún teniendo el apoyo de los medios a nivel de "management" y de discográfica no fue a más y se quedaron frotándose las manos y viéndolas venir. Luché por sacar un segundo disco pero para hacerlo con peores condiciones que el primero pues… Decidí tirar la toalla y esperar a, si llega el momento, hacerlo bien. […] Era una época difícil para este estilo" (Siete-7-Black) "Quizá las discográficas cuando tuvieron la oportunidad no supieron venderlo como es debido, pero también era normal porque no había precedentes ni escena y la gente tampoco conocía mucho. Era una situación complicada." (JC Moreno).

Por otro lado la escena rap nacional de entonces tampoco ayudaba mucho a esta situación. Aunque muchos de ellos bailaban "break" y escuchaban rap desde siempre esa influencia del Hip Hop en los artistas de R&B de la época no era bien vista por los grupos de rap: "Ahora el R&B está mucho más asumido. Aunque el R&B y el Hip Hop siempre han ido de la mano gracias a los "samples", en España no ha sido así. Tu antes tenías un grupo de R&B y eras una maricona, por mucho que te gustase Dr Dre o supieses más de Eric B & Rakim que los propios raperos. En aquellos años nos sentíamos un poco desplazados por la comunidad Hip Hop, sobretodo en Madrid que era una escena bastante radical. Me parece triste que determinada gente de esa escena, que tanto lo criticaba antes, quiera ahora hacer bandera de ello.[…] En esa época existía un cierto "respeto" por nosotros, porque defendíamos esto con bastante convencimiento. Nos conocíamos todos pero siempre te tachaban de maricona o de flojo. En USA era muy diferente y las colaboraciones eran algo habitual. Aquí era impensable.[…] Hoy en día escucho más hip hop, pero en aquella época si escuchabas Curtis Mayfield o Aretha Franklin ya eras un raro por escuchar viejos. Ahora es "cool". Como dice Flavio (Rodríguez) somos la generación del "emule-soul". Ahora si vas con una camiseta con un afro eres lo más. Todo ha cambiado para mejor, pero choca mucho. Los que me dijeron según qué hoy van de estandarte de lo contrario. No es consecuente.[…] Además aunque en general me gusta más el Hip Hop que el R&B que se hace hoy día hay que decir que es mucho más difícil cantar que rapear aunque hacer unas rimas a la altura de Nach o de Eminem no es nada fácil. Cantar bien lleva mucho más trabajo y dedicación que rapear. Hay muchos más productores de Hip Hop que de R&B. Cualquiera puede hacer un "beat" hoy en día pero saber dirigir a un cantante para que haga ciertas armonías es bastante más complicado." (JC Moreno)

Pero los tiempos están cambiando y el panorama urbano nacional no tiene nada que ver con el de hace 10 años. Los medios de comunicación actuales hacen mucho más fácil el acceso al conocimiento. La gente escucha más y está más abierta de mente. La mezcla, el mestizaje está cada día más presente en todos los ámbitos de la vida. Y el mestizaje enriquece. También en la música. "La globalización ayuda a que la gente esté mas informada, se abra más de mente y tenga un conocimiento más amplio de todos los ámbitos de la vida, no solo artísticos" (JC Moreno) En estos momentos el público puede acceder a cualquier estilo de música en cualquier momento, puede investigar y elegir qué quiere y qué no. "Me parece triste que la gente no tenga iniciativa y sólo compre lo que sale por la TV. Por la calle es lo único que oyes. Los mismos bombos, cajas, ritmos, letras…. Al final uno valora las letras y en el escenario tienes la oportunidad de dar un mensaje a mucha gente. Hay que ser responsable. […] Hay más cosas y hay que fomentar que la gente se de cuenta. […] Hay gente muy buena desconocida que me pide colaboraciones. Yo ayudo siempre que puedo. Debes tener la consciencia de que no hay muchos barcos, estamos todos en el mismo y hay que ayudarnos entre todos para que esto salga adelante." (Piti García). "Quizá ahora que el movimiento Hip Hop apoya un poco esto la supervivencia de un grupo tipo Master Plan o Soul Sanet sería mucho más fácil. Una muestra es que en el último Cultura Urbana había un escenario de R&B. Algo impensable hace sólo 5 años." (JC Moreno)

Pero queda mucho por recorrer: "Hoy en día se sacan más cosas, pero con miedo, para ver qué pasa, no con los medios necesarios y apostando realmente. Y así no. Nadie dice: "vamos a hacer una producción en condiciones". El "para ver qué pasa" hace que no acabe de cuajar el estilo. No se puede decir que algo no vende hasta que le das la oportunidad. Hay que hacer las cosas bien con el respeto a lo que se hace y con la promoción necesaria. Hoy en día si algo no funciona en un mes cierran las puertas. Hay que darle al R&B una oportunidad y un tiempo para que la gente lo aprecie. Hace falta un empujón, hay que invertir, promocionar... que la gente lo conozca." (Siete-7-Black)

Ha pasado una década desde aquella situación y aunque a nivel discográfico no se haya avanzado mucho, la situación actual no tiene nada que ver con la de entonces. Internet ha ayudado como nadie a dar a conocer a artistas que de otra forma hubieran permanecido en al anonimato. Artistas por lo general mucho más preparados que los de entonces y que publican sus cortes gracias a las "www" consiguiendo que sus temas suenen a miles de kilómetros. La globalización de las telecomunicaciones ha conseguido eso y otra cosa importantísima: que cada vez la gente esté más y mejor informada y sea más abierta de mente.

En las webs se pone de manifiesto que hay un público para el R&B, un público crítico que ansía de nuevos buenos artistas que les liberen de los "politonos" impuestos por la TV y las radios generalistas. Quizá sólo hace falta un poco de confianza, ilusión y profesionalidad para acabar de darle un último empujón. Quizá ahora sea el momento para el R&B en España.

2ice & Alex

Publicado en: Soul Nation #1 (octubre '06)

21/01/08

R&B... ¿nacional?

En los días que corren podemos presumir de tener una presencia mediática del Hip Hop envidiable pocos años atrás y que, aunque quizás no se corresponde con el presagiado "boom del rap", sí hace constatar la mayor importancia de la cultura "urbana" en todo tipo de medios y, sobretodo, en las nuevas generaciones. Aún queda mucho por recorrer pero el éxito de asistencia en eventos como el pasado Cultura Urbana '06 dice mucho a favor de la escena rap estatal y del reconocimiento por parte de entidades públicas (y algunas privadas) que poco a poco empiezan a apostar por una cultura hasta hace poco subversiva y elitistamente underground. ¿Visión comercial? Absolutamente, pero ése es el primer paso para el reconocimiento público. Un reconocimiento ansiado por aquellos que quisieran poder vivir de su arte (y digo arte), aunque, paradójicamente, no siempre sea confesado.

Pero el CU'06 también puso de manifiesto otra cosa: EXISTE una escena R&B/Soul nacional, pero también queda mucho por hacer para sacarla a flote. Los grupos funkeros (Breakestra, Celofunk, Sweet Vandals...) mostraron su saber hacer ante una relativamente abundante audencia. Un público del que no contaron los artistas más souleros (Ikah, Aqeel, Flavio Rodriguez...), que aún así mostraron que el nivel sube. ¡Y cómo!

El primo pequeño del Hip Hop, la oveja negra del rap, el "comercial", es en estos momentos el más alternativo. Aún tratándose de un estilo mucho más easy listening que su primo mayor curiosamente no acaba de llegar al gran público. Y en esto tiene mucho que ver tanto la falta de promoción como la confusión de medios y disqueras. El R&B no es (no tiene por qué ser) un pseudopop bailable con toques funky, un "producto" comercial bailongo y caduco representado por la boy-band o girl-band de guapos/as de turno y adereceado con cuatro pasos de newstyle y algún que otro footwork de academia.

Los pocos discos de R&B/Soul nacional editados hasta el momento: Funkopolitan, Malinche, Deya Vú, Insólito Club, Dlux, All Day Green, Lady Yaco, Eddine Saïd... los más comerciales Austin y Tony Santos e incluso un recopilatorio!: 100% R&B en Español; ponen de manifiesto que algo se cuece por ahí detrás. El talento bulle y se nutre de ingredientes funk, jazz e incluso electrónicos en algunso casos. Pocos son los referentes y de índole dispar. Soul Sanet, Master Plan, Siete-7 Black, 3DVoz, Unión Lírica, Tzaboo o Mission Hispana cimentaron la base de algo que ahora se empieza a construir en forma de maquetas y colaboraciones con grupos raperos.

El talento está en Internet y la escena R&B/Soul española ha encontrado en las www su mejor escenario. Muchas webs enfocadas a la cultura Hip Hop empiezan a dedicar algún pequeño espacio a los R&B-boys. La música corre de oreja a oreja por foros y myspaces. Y gracias a eso miles de personas están disfrutando de ello. Quizá el top manta intente matar a la música, pero Internet la está salvando. Cada vez hay más programas localistas de música negra que están rompiendo fronteras gracias a la red de redes. Las audiencias foráneas superan a las locales. En Chile escuchan lo que se emite en Sants y en Sants se emite lo que se crea en Chile. Y eso señores/as, es revolucionario... ¡y esperanzador!

"Nuevos" artistas del talento de Flavio Rodriguez, Aniki, Quiroga, DiaRGi, Wöyza, Irene, Dani LaPiedra, Mackio, Irene LomBard, TNT, DëAlma, Alex "el Flaco", Phone, Nalaya Brown... se patean escenario tras escenario intentando compartir su música y, aún contando con destacadas audiencias en la red, no tienen disco, ni el apoyo de una discográfica o una promotora detrás. Una discográfica entendida como un apoyo a la música y al artista, que pretenda promocionarle sin aprovecharse de su talento y exprimirle hasta que ya no interese. Una discográfica como entidad cultural y no como fábrica de clínex. Una discográfica como negocio, pero no "sólo" como negocio. ¿Existe eso hoy en dia?

...Siempre nos quedará Internet.

2ice

Publicado en: Sección Vertedero de Palabras. Hip Hop Nation #75 (agosto '06)

14/01/08

Historia del Soul

Soul es un término difícil de definir, pero nada difícil es saber que simboliza la revaloración de la identidad negra y de su cultura. Describir la música con palabras es tarea condenada al fracaso. Las explicaciones técnicas son aburridas, las poéticas ridículas...y por supuesto ambas se quedan cortísimas. Lo mejor que se puede hacer con la música es escucharla,hacerla o bailarla.

La música religiosa negra evoluciona forjando una manera de concebir la interpretación completamente nueva con la que la población negra se identifica plenamente. Otra importante tradición negra es el blues de los esclavos que trabajaban en los campos del sur. Posteriormente emigra con ellos y se hace eléctrico y bailable dando lugar al rytthm & blues. La juventud blanca lo acepta y reinventa dulcificándolo con grandes dosis de country, y así nace lo que se llamó rock and roll. Los jovenes negros de todo el país enriquecen la nueva música añadiendo sin complejos los manierismos más típicos de su tradición religiosa. Estamos a finales de los cincuenta y ha nacido el Soul.

Ray Charles, Jackie Wilson y los grupos vocales de la época tienen su período de explendor en los 60 y primeros 70, y poco a poco se va diluyendo con la aparición de otros tipos de música que atraen la atención de las nuevas generaciones negras. El Soul es la música que recoge el momento histórico de la integración de los negros en la sociedad americana, la identificación geográfica del soul clásico, al igual que racial, ofrece pocas dudas salvo casos aislados. El grueso de la música soul es creado por la población negra de los Estados Unidos de América, y se dice que comienza a mediados de los cincuenta. Es un hecho que la música que grababa Ray Charles en Atlantic era prácticamente igual a lo que se llamó más tarde Soul aunque esta etiqueta no se generalizó hasta entrados los 60.

Indiscutiblemente, lo que llamamos Soul ha entrado ha formar parte de la cultura popular del siglo XX y es una música que ha sobrepasado los límites del tiempo y del espacio, superando con creces las barreras que los intereses de la industria y el comercio discográfico le han impuesto. En ciertas épocas y por diversos motivos, el Soul fue un género marginado,despreciado y condenado al olvido. El Soul que es predominantemente vocal, introduce la técnica del llamado-respuesta entre el cantante y el coro y resultó más apto que ningun otro género musical para estimular la nueva conciencia negra. Mientras el Blues estaba basado en la experiencia del fracaso, el Soul afirmaba el ideal de cómo debían ser las cosas.

El Soul liberó a la gente de muchos de sus complejos políticos, sociales y sexuales. La indumentaria del artista y su comportamiento en escena cambian completamente: se introduce la moda afro y un ritmo desenfrenado, pero todo arreglado al detalle y con un máximo de disciplina. Para convencerse de esto basta haber visto una sola vez a los Temptations.Las metáforas sexuales escondidas en el Blues se hacen evidentes en el Soul.La evolución de la música marcha paralela con la lucha por los derechos civiles y la autodeterminación. En esta mundo rico, variado y lleno de emotividad, reinan las voces hechiceras de James Brown, Marvin Gaye, Aretha Franklin y demás magos de la música negra norteamericana.

No es exagerado decir que el lenguaje musical negro-americano a través de los 50, los grupos ingleses de los 60, los megastars del Rock comercial delos 70 y 80 y los productos del Pop bailable de los 90, se han adueñado de todo el planeta. Cuando Sam Phillips oyó a Elvis hacer su imitación de los cantantes negros,nació el Rock and Roll.Cuando Paul McCartney aprendió a imitar a Little Richard, apareció una nueva concepción del Pop.Cuando los jamaicanos se entusiasmaron por el R&B que oían en las emisoras de Nueva Orleans, nació el Reggae.Cuando los grandes virtuosos del Rock sicodélico se reencontraron con el blues de John Hookery Howlin Wolf, se creó el Heavy. Cuando los visionarios de la vanguardia negra descrubieron y ayudaron a una bailarina blanca que moría por triunfar surgió Madonna.

Es un hecho generalmente asumido que la música negra constituye una de las fuerzas vitales más potentes y constantes en la música popular. Los negros siempre son conscientes de este hecho y muchas veces ellos mismos se convierten en sus propios enemigos.Hay que partir del hecho de que en última instancia y aunque cada vez menos,es el público quien elige y al público general lo que le gusta es o bien la música sentimental, o bien la bailable. Es una realidad que desde principios del siglo XX, la música de baile que ha predominado ha sido de origen latino o negro.Diversos motivos sociales y políticos hicieron que el juego se decantara finalmente por la música negra, o más bien por sus adaptadores blancos, frente a los últimos restos de la influencia europea y la hasta entonces popularísima música afrocubana.

Años 40-50

Segunda Guerra Mundial y posguerra: Epoca de pobreza para las capas bajas de la sociedad estadounidense, incluyendo, por supuesto a la población negra. Aparece el fenómeno de las emigraciones hacia el norte y oeste. Comienza lentamente la aceptación del R&B por parte del público blanco (el Jazz ya lo había recibido con anterioridad). Actores negros, como Sidney Poitier y Harry Belafonte, se convierten en ídolos indiscutibles y Dorothy Dandridge es nominada para el Oscar.El disco es ya sinónimo de música, sus ventas alcanzan cifras millonarias y el R&B se desarrolla en gran manera y como prueba de ello la discriminatoria etiqueta Race Music acaba por desaparecer. Elementos jazzísticos o latinos impregnan el R&B de la mitad de los 50,enriqueciéndolo y a la vez diluyéndolo. El elemento del gospel se introduce rápidamente en la escena gracias a voces formadas en la iglesia, como las de Ray Charles y Sam Cooke, que libres de complejos no se preocupan de ocultar su influencia. Da comienzo la era del Soul.

Años 60

Días de lucha por los derechos civiles, de líderes negros, de conciencia racial y motines callejeros. La circunstancia es mucho más notoria en la música negra donde los movimientos políticos provocaron la revalorización de elementos tradicionales, mientras la conciencia racial aparece latente en todo momento. Es ahora cuando el cocepto musical Soul cobra importancia, ya que adquiere valor de símbolo.Posiblemente, cuando Aretha Franklin cantaba "Respect", se pensaba simplemente que estaba narrando una desavenencia de carácter doméstico pero los que la escuchaban, con esa voz indescriptible y toda su alma vibrando en las cuerdas vocales, tenian muy claro que su requerimiento alcanzaba niveles más trascendentales. En los años 60 la música negra vive momentos gloriosos: con el advenimiento y el éxito del Soul el reconicimiento de su valía es general. Los entertainers negros se convierten en ídolos de masas interraciales (Sam Cooke, Supremes, Otis, Aretha...) En Europa se descubre el R&B y nace un verdadero culto a su alrededor que fructifica en la aparición de Beatles y Rolling Stone, grupos ingleses de gigantesco poder comercial que dan a conocer y explotan la música negroamericana tras un sutil proceso de trivialización.

Años 70

Otra época dorada. La industria del disco alcanza tamaños gigantescos y, con ella, la industria negra del espectáculo. Hombres de negocios negros invierten en artistas negros; modelos y actores negros son usados en publicidad y el cine y la música negra se desarrollan prodigiosamente. Una nueva burguesía negra se ha consolidado en la sociedad norteamericana y las empresas crean y lanzan productos para ella.Los nuevos grupos vocales, O´Jays, Spinners, etc; alcanzan ventas enormes. El Black Message domina hasta los Hit Parades y la búsqueda de las raíces culturales y musicales hace renacer valores y costumbres olvidadas a la vez que se investiga en el rico acerbo del pasado comun africano. Hay muchas conversiones al islam, que ha adquirido valor de fuerza política, como por ejemplo los Black Muslims. Tambien aparece el Sofistisoul que, en un principio, se inserta en la sicodelia y que evoluciona hacia otras dimensiones artísticas cuando la industria del disco abre las puertas a jóvenes músicos formados en el coservatorio. Las nuevas tecnologías dan pie al nacimiento de nuevos estilos y modos interpretativos: Stevie Wonder, Herbie Hancock, etc.Renace con auge inusitado una dimensión de la música negra muchas veces subvalorada: la bailable. Con la primera crisis del petróleo aparece una necesidad de diversión a ultranza que crea un mercado enorme para las producciones del Soul discotequero. El boom tiene alcance intercontinental y supone en mayor paso en la integración de la música negra en el mercado comercial desde el Rock and Roll.

Años 80-90

Artistas negros como Whitney Houston y Michael Jackson baten records de ventas y popularidad y el pop blanco considera que la inclusión de elementos funkies es garantía, a un tiempo, de calidad, prestigio y comercialidad. Por primera vez desaparecen las distinciones entre pop blanco y negro. En esta época el término Soul servirá para calificar a unos intérpretes descafeinados de tan profesionales que parecerán empeñados en demostrarnos en todo momento los ricos, distinguidos y finolis que son descuidando totalmente la creación artística que se verá reducida a pura fórmula. Las grandes voces del gospel se habrán de refugiar en la música disco y, por ley de vida, van a desaparecer muchas figuras señeras e irremplazables: Muddy Waters, Big Joe Turner, Joe Tex, David Ruffin, Eddie Kendricks, etc. Cuando, en el 84, murió asesinado Marvin Gaye mientras Michael Jackson se convertía en la estrella pop más grande de todos los tiempos nos dimos cuenta de que había acabado una era. Quizas hoy en día el concepto de Soul y R&B este cambiado, quizás corrompido por la comercialidad y amenudo nos cueste definir realmente ese concepto, pero si escuchas bien dentro de la música negra, cada sonido, cada instrumento todavía hoy se pueden escuchar los cánticos de los esclavos que trabajaban en los campos del sur. Su fuerza, su tristeza, pero sobre todo su amor y su esperanza por un mundo mejor.

Jojo

Artículo extraido de The Black Onion. Retocado y arreglado por Joel Caro.
Año 2001.

14/01/08

Las raíces del Hip-Hop

Las raíces de la Cultura Hip-Hop se remontan a las bases de la cultura Afroaméricana de los Estados Unidos y su historia por tratarse principalmente de un movimiento negro.

La Cultura Hip-Hop se compone de cuatro modos básicos de expresión: DJing, MCing, B-Boying y Grafitti. Estas expresiones provienen de influencias musicales, culturales, sociales, religiosas, económicas, etc... A éstas se les fueron añadiendo otros artes y modos de expresión que han pasado a ser parte de la cultura Hip-Hop, tales como filosofía, poesía y moda.

Sin embargo, la Cultura Hip-Hop sigue creciendo día a día. Esto es debido a aportaciones de otras culturas así como al basto mundo de la tecnología de la Información y su transmisión, que permite aumentar las relaciones entre culturas distantes y facilita el enriquecimiento mútuo.

Podemos decir finalmente que el Hip-Hop es la voz de una nueva generación de jóvenes y adultos procedentes de las principales "Inner Cities" de los Estados Unidos y que desde los años 70 empezó a propagarse por las ciudades de esta nación.

Hip-Hop simboliza una expresión jóven (al día de hoy) de las raíces de los fundadores de este movimiento: las raíces africanas. No es un género musical o una moda. No es algo que se hace, sino que es algo que se vive. Como diría Krs-One: "Nosotros no estamos haciendo Hip-Hop. Nosotros no somos parte de la Cultura Hip-Hop. Nosotros SOMOS Hip-Hop".

La Visión del Hip-Hop como Sub-Cultura

Cuando el término Hip-Hop es escuchado, pueden llegar muchas cosas a nuestra mente: música Rap, chamaquitos con ropa XXL, equipos de sonido con un bajo inaguantable y así sucesivamente hasta llegar a un lenguaje "lingo" no muy fácil de descifrar. Es común llegar a pensar que Hip-Hop es solo una forma de expresión utilizada por los jóvenes de hoy en día y que su base se encuentra en la música Rap. Esta suposición tiene parte cierta pero muchos no conocen toda la realidad.

De una manera aproximada, podría decirse que la cultura de un grupo social es el conjunto de sus creaciones materiales y espirituales y la herencia de todo esto a través del tiempo. Es precisamente esto lo que hace del Hip-Hop una cultura, el hecho de que abarca algo más que una rustica forma de música o una moda. Cuando nos referimos a esta sub-cultura musical tenemos que pensar principalmente en cuatro formas de expresión: emceen/rap, dj/turntablism, b-boying/break dance y graffitti. Estas son la voz, la música, el baile y la arte en esta cultura. Cada una de estas expresiones tiene identidad propia e importancia individual, pero todas se entrelazan.

El emceen, que es de donde viene el "término MC" utilizado hoy en día en el ámbito del rap o del raggamufin, viene de una tradición africana que se conserva en Jamaica y que fue llevada a Nueva York a principios de los años 70 por un DJ jamaiquino conocido como Kool Herc. El emccen de esta época en la música jamaiquina se basaba en decir frases para animar al público en las partes instrumentales o "dubs" de las canciones. Kool Herc lo adapta a la música de moda en Nueva York y crea lo que hoy conocemos. Con los años, este arte se ha desarrollado a gran escala.
Tanto es así que se ha fusionado la poesía urbana y negroide con el emceen y se ha presentado en algunas de las universidades más reconocidas.

El DJing de la cultura Hip-Hop también nace con DJ Kool Herc, muy ligado con el emceen que había creado. Kool Herc inventa un método de alargar los "dubs" (partes instrumentales o de percusión de las canciones). Lo hace utilizando dos discos idénticos y un "audio mixer'. Esta es la primera forma de DJing que se conoce.

Por otro lado, un turntablist es una persona que utiliza un turntable, es decir, un plato, no solo para mezclar música sino para crearla. Dentro de este arte se desarrollan distintas técnicas pero la más conocido es el "scratch", que es literalmente mover el disco produciendo un sonido que el DJ maneja de la manera deseada.

El b-boying o break dance, comienza en la mitad de los años 60s con el "good foot", una forma de baile de la época que adquirió ese nombre debido a una canción de James Brown. Esta forma de baile que da origen al "breakin'" comienza cuando se empiezan a jecutar pasos de baile en el suelo. Este estilo se va desarrollando al mismo tiempo que el Emceen y el DJing en la costa Este de los Estados Unidos. Sin embargo, en California al mismo tiempo se va desarrollando otro estilo de baile que su fusionará con el b-boying de la costa Este a mitad de los años 70. Este estilo de baile se conoció como "Electric Boogie".
El "Electric Boogie" tiene diferentes estilos, pero el que lo origina es el baile del robot. El baile del robot nace debido a las influencias de las series televisivas como "Lost in Space". El b-boying es hoy en día, el estilo de baile dentro del Hip-Hop más conocido y de mayor aceptación, pero no es la única forma de baile Hip-Hop.

El Graffitti siempre ha existido, pero su desarrollo artístico se debe a los jóvenes hip hoppers de Nueva York, en especial en Boogie Down Bronx. El "dañar", como dicen los graffitteros, se basa principalmente en el pintar con aerosol. Lo que se suele pintar son los nombre de los artistas, pero también se hacen imágenes. Además de ser una forma de pintura difícil y de gran valor artístico, contribuye a adquirir un cierto nivel de prestigio en el getto.

Las distintas expresiones del arte en el Hip-Hop siempre han existido. No son nada nuevo. Lo que cambia es la época y la realidad de vida. Por ejemplo el b-boying y la capoeira al igual que la bomba puertorriqueña, son estilos de baile hermanos, solo que se desarrollaron en lugares diferentes y dentro de una realidad de vida. No debemos dejarnos llevar simplemente por la influencia del comercio cuando miramos lo que es Hip-Hop, ya que no es una visión realista. Por otro lado, hay que admitir que el impacto del Hip-Hop dentro de la industria de la música es increíble. En el año 1998 se vendieron más discos de Hin-Hop en los Estados Unidos que de "country", música que tradicionalmente domina el mercado.

Hay que destacar que la conciencia de esta cultura no está en el ambiente de la música comercial, sino en toda una sociedad que no necesariamente tiene que vender discos. Existen raperos que han ganado miles de dolares en copias vendidas sin que una sola canción de su disco sea escuchada en la radio. De la misma manera hay cantantes que son conocidos en muchos lugares siendo cantantes de carácter underground "no comercial". Otro buen ejemplo de esto es el b-boying, ya que hace mucho que dejó de ser algo comercial, pero esto no ha impedido que actualmente esté en su etapa más fuerte de su historia. Hay mucho más por discutir sobre esta cultura, pero esto hay que hacerlo objetivamente. Nadie puede hablar de un tema o una cultura sin antes no conocerla y verla desde el lado en el que se encunetran sus protagonistas y conocer todos los factores qeu rodean al mismo.

Así que invito al lector a que antes de tomar la palabra respecto a este tema se ponga en los zapatos de un verdadero Hip-Hopper y no en una falsa imagen brindada por el comercio. Hip-Hop es como te ves, como luces, como piensas, tu visión hacia la vida, como caminas, como hablas... Hip-Hop no es algo que eres o de lo que formas parte...

¡Hip-Hop eres tú!.

Jojo

Año 2001.

14/01/08

Historia del Funk

En los años 60 el nombre para la música negra era "Soul", ésta era personal, intensa y cruda, pero la palabra en sí se tornó en un cliché para toda expresión pura y honesta. A finales del 68, James Brown entrega una frase que podría definir lo anterior: "Say it loud, I'm black and I'm proud" ( "Dílo en voz alta, soy negro y estoy orgulloso de ello"). Al poco tiempo, la frase de Brown se volvió anacrónica y la música "Soul" se diluyó frente a las aspiraciones pop de la clase media.

En los 70 la música negra del interior de la ciudad, sin compromisos, la música de éxtasis recibió el nombre de "Funk" y pronto se transformó en una nueva fiebre. George Clinton, uno de los arquitectos del "Funk", propuso rescatar la música para bailar en los "blahs,blahs...".

En el argot radiofónico la palabra "Funk" se legitimó en 1967 cuando Dyke and the Blazers con la canción "Funky Broadway" forzaron a los DJ's a tocarla y usarla. Así, muchos grupos se basaron en esto para hacer su música.

Para entender las caraterísticas de este género, es necesario mencionar a dos bandas: la primera de Charles Wrigths Watts que se especializó en cantos sincopados con beats de Nueva Orleans y un poco de la improvisación de James Brown. La otra es Kool and the Gang que surgió con una nueva estética un poco nasty y burlona pero igualmente usando fusiones de mediados de los 60.

De esta manera, surgió un movimiento que con el tiempo ha evolucionado y cuya música se caracteriza por las connotaciones sexuales en las letras de sus canciones. Si prestamos atención a letras de canciones de cantantes de la actualidad como Joe Thomas o Keit Sweat, podemos apreciar que la tónica es siempre la misma. Hablan de relaciones sexuales, amor, utilizando para ello bases y ritmos sensuales.

Jojo

Año 2001.

14/01/08

Historia del Rap

Estilo musical que surge en los barrios negros e hispanos neoyorkinos. Vinculado desde principios de los 80 a los ambientes de la cultura Hip-Hop, a imagen y semejanza de ésta integra diversas corrientes, como la Break Dance Music, el Electro, el Graffiti urbano o el Scratch.

Si el Hip-Hop se distinguió por evolucionar a partir de las formas primigenias de la música religiosa de la comunidad negra de Estados Unidos, a través de una expresividad laica y popular que se concilió muy a menudo con el Funk, el Rap se desarrolla sobre todo por dos vías: rompe sus lazos con el Funk y la música disco de consumo acentuando su relación con el Break Dance y radicaliza sus signos de identidad callejeros mediante formas autónomas y un lenguaje específico y combativo. En sus primeras manifestaciones, y siguiendo la pauta Break, el rap surgió de las operaciones que en las salas de baile ejecutaba un disc jockey utilizando uno o varios temas, al objeto de conseguir de las interrupciones y mezclas resultantes una composición que sirviera como vehículo sonoro a la recitación del solista o, con mayor frecuencia, a un nutrido conjunto de intérpretes. Por ello, la púa del tocadiscos se convertía en un elemento fundamental de los temas Rap y mediante las ráfagas breves y reiterativas, salpicadas de arrastres rítmicos, enfatizando rimas que se nutren de jergas, efectos onomatopéyicos, bromas y consignas, se desencadenaba un juego de réplicas y contrarréplicas muy sugestivo, que a su vez se complementaba con provocativas escenificaciones.

Estos rasgos esenciales del Rap (en especial todo lo que se refiere a sus letras), tienen su orígen en las fórmulas publicitarias emitidas por radio y televisión donde dos o más personas conversaban coloquialmente sobre un producto, combinadas con las remezclas de música disco que los jóvenes negros, hispanos y chicanos empleaban para bailar y divertirse al aire libre en los ghettos. Por ello el Rap tuvo en sus comienzos un alcance limitado, pues raras veces penetraba en el ámbito de las discotecas, copadas por temas comerciales también interpretados por negros (como Grace Jones, Chic y Tina Turner). El tema 'Rapper´s delight', de Sugar Hill Gang, editado en 1979, fue una de las composiciones estrella de este estilo, que se inscribía en el ámbito ecléctico practicado por bandas fundacionales como Afrika Bambaata and The Soul Sonic o el más radical de Grandmaster Flash and the Furious Five. Pero es a partir de los años 90 cuando los álbumes rap alcanzan una presencia regular en las listas de éxitos de la revista Billboard y el estilo se diversifica, atrayendo a sus filas de adeptos a músicos blancos. Hoy en día mucha gente se hace la misma pregunta: ¿Que diferencia hay entre Rap y Hip-Hop?.

Basicamente el Rap se compone de dos elementos: un Dj y un presentador (Mc). Mientras el Dj hace las bases o scratchea, el Mc rapea.

El Hip-Hop es la cultura y el conjunto de todos los elementos: el Graffiti, el Break, los Djs, los Mc y el estilo de vestir. Por tanto no tenemos que entrar en la confusión de que son dos estilos de musica diferentes.

Jojo

Año 2001.